A história do espetáculo nasceu da relação de Tiago Rodrigues com sua avó Cândida, cozinheira e leitora assídua, que tinha por hábito decorar trechos de livros, muitos presenteados pelo neto em suas visitas. By Heart trata do vínculo entre a literatura e a memória, em especial do aspecto afetivo dessa relação. É um teatro que se assume como espaço de transmissão do conhecimento que não pode ser medido, que não é palpável – como o esconderijo que criamos, em nossos cérebros e corações, para textos proibidos durante regimes autoritários, decorando as obras e garantindo sua sobrevivência ao longo dos tempos. No solo, o ator e diretor trabalha a memorização de versos enquanto fala de sua avó quase cega, de personagens literários, escritores e críticos (como William Shakespeare, Boris Pasnernak, Ray Bradbury e George Steiner), além de um programa de TV holandês chamado Beleza e Consolação.

Ator, diretor e dramaturgo, Tiago Rodrigues aborda o teatro como uma assembleia: um local de encontro e partilha de ideias. Notabilizou-se por espetáculos que trafegam entre a realidade e a fantasia, com grande sofisticação poética e de pensamento. Quando ainda era estudante, em 1997, trabalhou com o grupo tg STAN e, em 2003, cofundou a companhia Mundo Perfeito com Magda Bizarro, na qual criou e apresentou cerca de 30 espetáculos em mais de 20 países. Foi também professor de teatro em instituições como a escola de dança belga PARTS, dirigida pela coreógrafa Anne Teresa de Keersmaeker, a escola suíça de artes performativas Manufacture e o projeto internacional École des Maîtres. Paralelamente ao seu trabalho em teatro, escreveu argumentos para filmes e séries de TV, artigos, poesia e ensaios. Algumas das suas obras mais notáveis são By Heart, Antônio e Cleópatra, Bovary, Como Ela Morre e Sopro, que estreou no Festival d’Avignon de 2017. Em 2018, ganhou o XV Prémio Europa Realidades Teatrais. No mesmo ano, foi distinguido pelo governo francês com o título Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres (Cavaleiro da Ordem das Artes e Letras), e recentemente recebeu o Prêmio Pessoa 2019. Desde 2015, Rodrigues é o diretor artístico do Teatro Nacional D. Maria II, um dos principais teatros da Europa.

CRÍTICAS

É sobre o coração. Sobre contar histórias. Sobre memória. E sobre livros. É o teatro reduzido a uma poderosa essência. É um dos trabalhos mais delicados, simples e complexos que você vai ver. E tudo isso apresentado de forma calorosa, exuberante e com muito humor. By Heart é primoroso.

TRACEY KORSTEN, Glam Adelaide

De Shakespeare a Ray Bradbury, esta estimulante releitura do teatro moderno é uma ode ao poder da memória. E à noção de que, mesmo que a liberdade, os livros e os corpos sejam suprimidos, nada nem ninguém pode nos tirar as palavras fincadas em nossos corações.

EDWINA SLEIGH, revista Fest

Rodrigues é um grande diretor, mas o que faz dele um gigante é o modo magistral como ele escreve sobre tudo e como cria personagens com quem simpatizamos e por quem até nos apaixonamos.

CÁTIA FAÍSCO, The Theatre Times

TEXTO, ENCENAÇÃO E INTERPRETAÇÃO: Tiago Rodrigues
COM FRAGMENTOS E CITAÇÕES DE: William Shakespeare, Ray Bradbury, George Steiner e Joseph Brodsky, entre outros
CENOGRAFIA, ADEREÇOS E FIGURINO: Magda Bizarro
PRODUÇÃO EXECUTIVA: Rita Forjaz
PRODUÇÃO EXECUTIVA NA CRIAÇÃO ORIGINAL: Magda Bizarro e Rita Mendes
PRODUÇÃO: Teatro Nacional D. Maria II, a partir de uma criação original pela companhia Mundo Perfeito
COPRODUÇÃO: O Espaço do Tempo, Maria Matos e Teatro Municipal

ESPETÁCULO CRIADO COM O APOIO DO GOVERNO DE PORTUGAL | DGArtes E APOIADO PELO INSTITUTO CAMÕES

Homenagem ao teatro e seus bastidores, o espetáculo é construído a partir das lembranças de Cristina Vidal, que há quase 30 anos trabalha como ponto (a pessoa que sopra as falas para atores que se esquecem do texto) no Teatro Nacional D. Maria II, em Lisboa. Essa personagem das sombras está pela primeira vez sobre o palco, acompanhada por cinco atores. Num cenário que simula um teatro em ruínas, com mato crescendo em meio às tábuas, ela surge com texto em mãos, soprando as falas para o elenco. É por meio deles, os intérpretes, que Vidal reconta a sua trajetória e a história da própria casa de espetáculos. Guardiã de uma atividade em vias de extinção, ela evoca memórias reais e fictícias, mesclando causos das coxias, fantasmas de artistas que por ali passaram e clássicos da dramaturgia, como textos de Tchékhov, Racine e Molière.

Ator, diretor e dramaturgo, Tiago Rodrigues aborda o teatro como uma assembleia: um local de encontro e partilha de ideias. Notabilizou-se por espetáculos que trafegam entre a realidade e a fantasia, com grande sofisticação poética e de pensamento. Quando ainda era estudante, em 1997, trabalhou com o grupo tg STAN e, em 2003, cofundou a companhia Mundo Perfeito com Magda Bizarro, na qual criou e apresentou cerca de 30 espetáculos em mais de 20 países. Foi também professor de teatro em instituições como a escola de dança belga PARTS, dirigida pela coreógrafa Anne Teresa de Keersmaeker, a escola suíça de artes performativas Manufacture e o projeto internacional École des Maîtres. Paralelamente ao seu trabalho em teatro, escreveu argumentos para filmes e séries de TV, artigos, poesia e ensaios. Algumas das suas obras mais notáveis são By Heart, Antônio e Cleópatra, Bovary, Como Ela Morre e Sopro, que estreou no Festival d’Avignon de 2017. Em 2018, ganhou o XV Prémio Europa Realidades Teatrais. No mesmo ano, foi distinguido pelo governo francês com o título Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres (Cavaleiro da Ordem das Artes e Letras), e recentemente recebeu o Prêmio Pessoa 2019. Desde 2015, Rodrigues é o diretor artístico do Teatro Nacional D. Maria II, um dos principais teatros da Europa.

CRÍTICAS

Com Sopro, Tiago Rodrigues assina um espetáculo conceitual e ao mesmo tempo profundamente emocionante. Uma homenagem vibrante ao teatro e àqueles que o fazem.

ETIENNE SORIN, Le Figaro

Esse vaivém por vezes bastante cômico entre a criatura dos bastidores e seu dramaturgo tagarela (de quem ela zomba com frequência), além dessa virtuosidade que se mistura às anedotas de sua carreira, é o que dá uma leveza infinita a Sopro e nos dá a impressão de participar da situação, de nunca estar de fora dessa evidente cumplicidade que une personagens e atores: enfim, de respirar o mesmo ar que eles. No centro desse discurso, surgem trechos de peças nas quais Vidal precisou intervir. São clássicos do repertório, As Três Irmãs, O Avarento ou Bérénice, e nossa lembrança faz aumentar a emoção da experiência. Tiago Rodrigues reaviva essas “criaturas do vento”, centenárias, por meio de nós e conosco, com uma graça e uma inteligência que fazem de Sopro uma obra inesquecível.

ELISABETH FRANCK-DUMAS, Libération

TEXTO E ENCENAÇÃO: Tiago Rodrigues
COM: Beatriz Maia, Cristina Vidal, Isabel Abreu, Marco Mendonça, Romeu Costa e Sara Barros Leitão
ELENCO ORIGINAL: Beatriz Brás, Cristina Vidal, Isabel Abreu, João Pedro Vaz, Sofia Dias e Vítor Roriz
CENOGRAFIA E DESENHO DE LUZ: Thomas Walgrave
FIGURINOS: Aldina Jesus
SONOPLASTIA: Pedro Costa
ASSISTENTE DE ENCENAÇÃO: Catarina Rôlo Salgueiro
OPERAÇÃO DE LUZ: Daniel Varela
PRODUÇÃO EXECUTIVA: Rita Forjaz
ASSISTÊNCIA DE PRODUÇÃO: Joana Costa Santos
PRODUÇÃO: Teatro Nacional D. Maria II
COPRODUÇÃO: ExtraPôle Provence-Alpes-Côte d’Azur, Festival d’Avignon, Théâtre de la Bastille, La Criée Théâtre National de Marseille, Le Parvis Scène Nationale Tarbes Pyrénées, Festival Terres de Paroles Seine-Maritime – Normandie, Théâtre Garonne Scène Européenne e Teatro Viriato
APOIO: Onda
AGRADECIMENTOS: Agnès Troly, Beatriz Maia, Carla Bolito, Carla Galvão, David Pinto, Filipa Matta, João Coelho, Julie Bordez, Magda Bizarro, Marco Mendonça, Mariana Magalhães, Paul Rondin, Romeu Costa, Sara Barros Leitão, Teresa Coutinho, equipe do Festival d’Avignon, equipe técnica do Cloître des Carmes e ICA – Instituto do Cinema e Audiovisual

ESTE ESPETÁCULO É APOIADO PELO INSTITUTO CAMÕES

O solo, fruto da parceria entre o escritor americano Dennis Cooper e a diretora franco-austríaca Gisèle Vienne, é uma reconstrução imaginária, estranha e sombria dos crimes cometidos pelo serial killer Dean Corll (1939-1973), conhecido como “the candy man” (o homem dos doces). Com a ajuda dos adolescentes David Brooks e Elmer Wayne Henley, ele torturou, violentou e executou mais de 20 garotos na cidade de Houston, no Texas, em meados dos anos 1970. A peça, interpretada pelo ventríloquo francês Jonathan Capdevielle, mostra David Brooks cumprindo sua sentença de prisão perpétua. Na trama criada por Cooper, ele aprendeu a arte dos fantoches e apresenta no presídio, para estudantes de psicologia, um show no qual reconstrói os assassinatos utilizando os bonecos. Com violência e humor, o espetáculo investiga as noções entre o fantástico e o real e questiona o que acontece quando a fantasia é de fato vivida. 

Gisèle Vienne é artista, coreógrafa e diretora franco-austríaca. Após se formar em filosofia, estudou na École Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette, instituto francês voltado aos estudos de marionetes. Trabalha regularmente com o escritor Dennis Cooper, os músicos Peter Rehberg e Stephen O’Malley e o designer de luz Patrick Riou, entre outros artistas. Suas obras transitam entre linguagens (artes cênicas, plásticas, cinema) para dissecar as relações humanas, o artístico e o religioso. Vienne dirigiu e coreografou, com a colaboração de Dennis Cooper, vários trabalhos, entre eles I Apologize (2004), Kindertotenlieder (2007), Babaca (Jerk, 2008), This Is How You Will Disappear (2010), The Pyre (2013), The Ventriloquists Convention (2015) e Multidão (Crowd, 2017). Ela também exibe regularmente seu trabalho fotográfico.

CRÍTICAS

Nossos sentidos são confundidos pelas visões horríveis e ridículas diante de nós: fantoches de mão em uma mistura de formas humanas e animais, cometendo atos grotescos de violência e sexo.

GIANNI TRUZZI, Seattle Times

As alterações de voz e manejo hábil dos bonecos, entre a distância e a crueldade, formam um mil-folhas altamente perturbador de sons e emoções. Um surpreendente multi-instrumentista, Jonathan Capdevielle incorpora um fenômeno esquizo tão desproporcional quanto seu assunto.

ROSITA BOISSEAU, Le Monde

A PARTIR DO ROMANCE DE: Dennis Cooper
DIREÇÃO: Gisèle Vienne
DRAMATURGIA: Dennis Cooper
MÚSICA: Peter Rehberg (música original) e El Mundo Frio of Corrupted
DESIGN DE LUZ: Patrick Riou
INTERPRETADO POR E CRIADO EM COLABORAÇÃO COM: Jonathan Capdevielle
VOZES GRAVADAS: Dennis Cooper e Paul P
DESIGN DE FIGURINOS: Stephen O’Malley e Jean-Luc Verna
FANTOCHES: Gisèle Vienne e Dorothéa Vienne Pollak
MAQUIAGEM: Jean-Luc Verna e Rebecca Flores
FIGURINOS: Dorothéa Vienne Polak, Marino Marchand e Babeth Martin
PROFESSOR DE VENTRILOQUISMO: Michel Dejeneffe
COM O TIME TÉCNICO DO: Quartz – Scène Nationale de Brest
DIREÇÃO TÉCNICA PARA A CRIAÇÃO: Nicolas Minssen
TRADUÇÃO DE TEXTO DO INGLÊS PARA O FRANCÊS: Emmelene Landon
ILUSTRAÇÕES: Jean-Luc Verna, Courtesy Air de Paris
AGRADECIMENTOS: Atelier de Création Radiophonique da France Culture, Philippe Langlois e Franck Smith. Para Sophie Bissantz pelos efeitos de som. Vozes e efeitos de som foram gravados no Atelier de Création Radiophonique. Também para Justin Bartlett, Nayland Blake, Alcinda Carreira-Marin, Florimon, Ludovic Poulet, Anne S – Villa Arson, Thomas Scimeca, Yury Smirnov, Scott Treleaven, a galeria Air de Paris, Tim/IRIS e Jean-Paul Vienne.
PRODUÇÃO E DIVULGAÇÃO: Anne-Lise Gobin, Alix Sarrade, Camille Queval e Andrea Kerr
ADMINISTRAÇÃO: Etienne Hunsinger e Giovanna Rua
PRODUTOR ASSOCIADO: DACM
COPRODUÇÃO: Le Quartz – Scène Nationale de Brest, Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfort dans le Cadre de l’Accueil-Studio e Centro Parraga-Murcia. Com o apoio do Conselho Geral da Isère, Cidade de Grenoble e do Ménagerie de Verre no âmbito do Studiolab

A companhia Gisèle Vienne é apoiada pelo Ministério da Cultura e da Comunicação da França – Direção Regional de Assuntos Culturais Grande Leste, pela Região Grande Leste e pela cidade de Estrasburgo. Para turnês internacionais, o grupo tem apoio do Institut Français. Gisèle Vienne é artista associada no Nanterre-Amandiers, centro dramático nacional, e no Théâtre National de Bretagne, dirigido por Arthur Nauzyciel.

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Depois que alguém jogou um hambúrguer e gritou uma ofensa transfóbica para Travis Alabanza em plena luz do dia na Ponte de Waterloo, em Londres, e nenhum dos transeuntes se manifestou, ile*, que se define como uma pessoa não binária, começou uma obsessão por hambúrgueres: como são feitos, qual a sua textura e seu cheiro e como eles viajam pelo ar. Este solo interativo é o clímax de sua compulsão. Nele, Alabanza, uma das vozes trans de destaque no Reino Unido, utiliza a plateia para explorar de forma pungente e bem-humorada como os corpos trans sobrevivem e como, ao se recuperarem de um ato de violência, podem conquistar sua própria cumplicidade.

* Os pronomes não binários “ile(s)” (em inglês “they”) substituem os pronomes pessoais “ela(s)” ou “ele(s)”. São termos que não demarcam o gênero, já que pessoas não binárias não se identificam como femininas ou masculinas.

Travis Alabanza atua, escreve e realiza filmes em Londres. Como uma das vozes artísticas trans mais proeminentes do Reino Unido, nos últimos quatro anos Alabanza iniciou grande parte das conversas públicas sobre as interseções entre negritude, gênero, visibilidade trans e classe. Seu trabalho cruza meios e formas, incluindo performances realizadas em espaços como Tate, Victoria and Albert Museum, Southbank Center, ICA, Lyric Hammersmith, Transmission Gallery e Royal Exchange Theatre, e apresentações em festivais como o Hamburg International Feminist Festival. The Guardian, Buzzfeed e Independent são alguns dos veículos que publicaram seus escritos. Entre 2017 e 2018, estrelou a adaptação de Chris Goode de Jubileu, lançou seu primeiro livro de poesia, Before I Step Outside (You Love Me) e foi artista residente na Tate Galleries. Atuou recentemente em Ridiculous of Darkness (Gate Theatre) e I Wanted to Fuck up the System But None of My Friends Texted Back (Wellcome Collection/The Sick of the Fringe).

CRÍTICAS

Embora frágil, Alabanza é atrevidx e espirituosx, alimentando o público como uma estrela de cabaré experiente e dominando a imprevisibilidade do formato interativo. Ile* gera urros de riso, mas o roteiro raivoso e inteligente também é ressaltado com a verdadeira dor da exclusão, de ser encaixotado, de estar preso em um mundo onde a violência sexual e racial é predominante e, com muita frequência, tolerada.

MARK FISHER, The Guardian

Uma das coisas que o espetáculo faz de maneira inteligente é usar a ideia de teatro como uma comunidade para questionar a facilidade com que nos tornamos cúmplices das estruturas de opressão. Não podemos sucumbir à mentalidade de espectador – devemos agir, não apenas observar passivamente. Como Alabanza coloca: “o silêncio queima”.

LYN GARDNER, Edinburgh Festivals Magazine

CRIAÇÃO E PERFORMANCE: Travis Alabanza
DIREÇÃO: Sam Curtis Lindsay
DESIGN DE CENÁRIO E FIGURINO: Soutra Gilmour
DESIGNER ASSOCIADA: Isabella van Braeckel
DESIGN DE LUZ: Lee Curran & Lauren Woodhead
DESIGN DE SOM: XANA
MOVIMENTO: Nando Messias

ESTE ESPETÁCULO É APOIADO PELO BRITISH COUNCIL

O espetáculo foi concebido para a 14ª edição da Documenta de Kassel, realizada em 2017 entre as cidades de Kassel, sede da exposição de arte contemporânea, e Atenas. Partindo dos temas levantados pela mostra – a descentralização da arte, os conceitos de centro e periferia, o papel do artista num mundo em conflito –, a francesa Phia Ménard reflete sobre a identidade e os problemas da Europa de hoje, fazendo um paralelo entre as duas cidades: a alemã Kassel, no “rico norte” europeu, e a grega Atenas, imersa em crises. Sobre o palco, vestida como uma deusa grega futurista, ela se põe a construir uma estrutura de papelão, simples e frágil. Ela remonta ao Plano Marshall (que pretendia reerguer a Europa do pós-guerra), fazendo gestos repetitivos e robóticos nesse esforço de criar uma casa para o continente e seus desabrigados, seus refugiados.

A francesa Phia Ménard estudou dança moderna, mímica, atuação e malabarismo. Em 1998, com Le Grain, ela fundou a companhia Non Nova, que busca uma nova forma de trabalhar o malabares, por meio da estrutura cênica e dramatúrgica, e se debruça sobre trabalhos multidisciplinares, com artistas de experiências diversas. O projeto I.C.E. – Injonglabilité Complémentaire des Eléments, pesquisa sobre a transformação, erosão e sublimação de materiais, deu uma nova projeção à carreira de Ménard, em especial com a montagem P.P.P. (Position Parallèle au Plancher), de 2008, na qual usava como elemento o gelo. A metamorfose vista no espetáculo virou símbolo de sua transição de sexo, ocorrida na mesma época. Depois disso, rodou o mundo com obras como L’Après-Midi d’un Foehn e Vortex e tornou-se uma importante voz em questões de gênero. Em 2014, ela recebeu do governo francês o título Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres (Cavaleiro da Ordem das Artes e Letras) e, no ano seguinte, tornou-se artista associada do Théâtre Nouvelle GénéraYon – Centre DramaYque NaYonal de Lyon e do Centre Chorégraphique NaYonal de Caen / Basse-Normandie. Em 2017, estreou na documenta 14 Contos Imorais – Parte 1: Casa Mãe. O projeto prevê outras duas partes, Temple Père (Templo Pai) e La Rencontre Interdite (O Encontro Proibido).

CRÍTICAS

Toda a genialidade de Phia Ménard, arquiteta desta obra para o corpo vivo, é de manter a distância do espetacular sem economizar no gesto. Casa Mãe é talvez uma obra crucial no percurso de Ménard, um ato militante e político. Um grito. A Europa assim glorificada bem em seus escombros (re)torna-se um horizonte possível (…) Casa Mãe é um conto moderno.

PHILIPPE NOISETTE, Les Inrockuptibles

Felizmente, as frases de Phia Ménard figuram apenas no texto de apresentação, não na própria peça. Porque toda a beleza dessa Casa Mãe consiste em ver a artista fantasiada de guerreira queer, Atena miserável, manipular o cenário sem que saibamos bem se ela cuida dele ou o maltrata (nem se a casa a protege ou a enclausura): deixar que as imagens e o tempo nos digam. Isso nos deixa completamente livres para decidir se essas imagens evocam a construção-destruição da Europa, a do patriarcado ou a maneira como essas duas questões estão ligadas.

ÈVE BEAUVALLET, Libération

DRAMATURGIA E DIREÇÃO: Phia Ménard e Jean-Luc Beaujault
PERFORMANCE E CENOGRAFIA: Phia Ménard
MÚSICA E AMBIENTAÇÃO SONORA: Ivan Roussel
DIREÇÃO DE PALCO: Jean-luc Beaujault, Pierre Blanchet e Rodolphe Thibaud
FIGURINO: Fabrice Ilia Leroy
DIREÇÃO TÉCNICA: Olivier Gicquiaud
CODIREÇÃO, PRODUÇÃO E ADMINISTRAÇÃO: Claire Massonnet
ASSISTENTE DE PRODUÇÃO: Clarisse Mérot
RELAÇÕES PÚBLICAS: Adrien Poulard
ASSISTENTE DE COORDENAÇÃO DE TURNÊS: Lara Cortesi
PRODUÇÃO-EXECUTIVA: Compagnie Non Nova
CORPRODUÇÃO: documenta 14 – Kassel e Le Carré, Scène Nationale e Centre d’Art Contemporain do Château-Gontier.

A companhia Non Nova é subsidiada pelo Ministério da Cultura e Comunicação da França – Direção Regional de Assuntos Culturais do Vale do Loire, pelo Conselho da Cidade Nantes, pelo Conselho Regional do Vale do Loire, pelo Conselho do Departamento Loire-Atlantique, pelo Institut Français e pela Fundação BNP Paribas. Com sede em Nantes, a companhia é atualmente associada do Malraux Scène Nationale Chambery Savoie e do TNB – Centre Européen Théâtral et Chorégraphique de Rennes. O projeto Casa Mãe recebeu apoio do Institut Français e da cidade de Nantes.

ESTE ESPETÁCULO É APOIADO PELO CONSULADO GERAL DA FRANÇA EM SÃO PAULO E PELO INSTITUT FRANÇAIS

FOTOS

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Em Farm Fatale, o diretor Philippe Quesne evoca o imaginário da vida no campo. Mas esse espaço rural, antes idílico, agora surge num futuro distópico, já todo abandonado. Os sons da natureza se dissiparam, os pássaros e insetos desapareceram e as pessoas foram embora. Sobrou apenas um grupo de espantalhos, cinco figuras engenhosas que tentam rememorar o passado e, aos poucos, preencher esse lugar vazio. Eles vão trazendo elementos para o palco desnudo, unem-se num programa de rádio independente, fazem músicas, discutem problemas ambientais e até se lançam a questionamentos filosóficos. Mascarados, com a voz deformada e o caminhar endurecido, como se fossem zumbis, esses personagens usam do humor e da ironia na busca de um recomeço, na utopia de um mundo novo e melhor – um mundo sem pessoas.

Uma das principais companhias da cena alemã, a Münchner Kammerspiele funciona desde 1933 como teatro municipal de Munique. Em seus trabalhos, o grupo busca um diálogo e uma confrontação com o presente e investe numa estética inovadora, contemporânea e cosmopolita, com enfoque sociopolítico. Em 2015, quando Matthias Lilienthal assumiu a direção artística do teatro, a instituição procurou expandir seu escopo artístico, trabalhando com nomes reconhecidos e talentos mais jovens, além de convidar diretores de várias nacionalidades, como Philippe Quesne, Rabih Mroué e Toshiki Okada. A Münchner Kammerspiele foi eleita, em 2019, o teatro do ano pela revista Theater Heute. Com Farm Fatale, Quesne faz sua segunda montagem dentro da instituição alemã – a primeira foi Caspar Western Friedrich, de 2016. Formado em artes visuais, o diretor francês trabalhou durante dez anos elaborando cenários para espetáculos teatrais, óperas e exposições. Na direção, ele cria espetáculos com forte conexão entre espaço, cenografia e os corpos que ocupam o palco. Ele fundou, em 2003, a companhia Vivarium Studio, reunindo atores, artistas plásticos e músicos, numa pesquisa entre o lúdico e o melancólico. Desde 2014, é codiretor do teatro francês Nanterre-Amandiers.

CRÍTICAS

Farm Fatale, de Philippe Quesne, se mostra uma encenação bucólica e bizarra, cheia de piadas maravilhosas, mas na qual também surge a utopia de um mundo melhor. Um mundo sem pessoas. Sinceramente: aquecimento global, extinção de espécies – nós, humanos, estragamos tudo! Talvez realmente fosse melhor que o planeta começasse tudo de novo. Na sala vazia. E sem nós.

CHRISTOPH LEIBOLD, Deutschlandfunk Kultur

Tudo é um absurdo maravilhoso, os cinco [personagens] falam baboseiras sobre abelhas – “Let It Bee” –, pois há uma alegria especial, ainda que realmente nos encontremos num apocalipse desertificado. Mas os espantalhos dão esperança (…) e acabam num mundo que talvez não exista mais, mas do qual algo novo possa emergir.

EGBERT THOLL, Süddeutsche Zeitung

Nenhuma ideia muito estranha, nenhum jogo de palavras ridículo, nenhum gesto demasiado trivial, nenhuma conclusão ingênua demais. Porque com sua pequena e democrática sociedade de espantalhos, Philippe Quesne desenha um espelho de nós mesmos.

TERESA GRENZMANN, Frankfurter Allgemeine Zeitung

CONCEPÇÃO, DIREÇÃO, CENÁRIO, FIGURINOS E PRODUÇÃO DE PALCO: Philippe Quesne
ELENCO: Léo Gobin, Stefan Merki, Damian Rebgetz, Julia Riedler e Gaëtan Vourc’h
COLABORAÇÃO CENOGRÁFICA: Nicole Marianna Wytyczak
COLABORAÇÃO DE FIGURINOS: Nora Stocker
ILUMINAÇÃO: Pit Schultheiss
DRAMATURGIA: Martin Valdés-Stauber
PRODUÇÃO: Münchner Kammerspiele, em coprodução com Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National

ESTE ESPETÁCULO É APOIADO PELO CONSULADO GERAL DA REPÚBLICA FEDERAL DA ALEMANHA EM SÃO PAULO, PELO GOETHE-INSTITUT, PELO CONSULADO GERAL DA FRANÇA EM SÃO PAULO E PELO INSTITUT FRANÇAIS

Em O que Fazer Daqui para Trás, João Fiadeiro explora o tempo – duracional, suspenso, intervalar – e foca a sua atenção naquilo que fica, no que foi esquecido, no “resto”. O resto cria o vazio: é a prova da ausência de uma presença – ou melhor, é a presença de uma ausência. É no resto que se encontram os traços e os rastros para dar início à impossível tarefa de reconstruir o mundo, uma e outra vez. O resto é também o que está entre o corpo e a presença do outro, uma fuga permanente para coisas que ainda não são, para o que as coisas podem ser. O espetáculo, que faz uma crítica à urgência e à rotina acelerada, se posiciona entre a dúvida e a possibilidade. Nele, o não dito é mais importante do que o que se diz, a ausência se sobrepõe à presença e o drama não vem do teatro, mas daquilo que os corpos – dos performers e dos espectadores – podem, têm e trazem.

Performer, coreógrafo e pesquisador, João Fiadeiro integra a geração de coreógrafos lusitanos que emergiu no final dos anos 1980 e deu origem à chamada Nova Dança Portuguesa. Suas peças navegam entre disciplinas (performance, dança e teatro), contextos (teatros, museus ou site specific) e formatos (coreografias, eventos ou conferências). Seu trabalho é apresentado pela Europa, América do Norte e América do Sul. Entre 1990 e 2019, foi o diretor artístico do Atelier RE.AL. Também colaborou intensamente com a companhia de teatro Artistas Unidos, tendo dirigido Esperando Godot, de Samuel Beckett, Psicose 4:48, de Sarah Kane, e Nightsongs, de Jon Fosse. Nos anos 1990, Fiadeiro desenvolveu e sistematizou a sua própria pesquisa sobre improvisação e composição, chamada Composição em Tempo Real, método com o qual ganhou projeção internacional. Entre 2011 e 2014, dirigiu com a antropóloga Fernanda Eugénio o projeto AND_Lab. Em 2019, foi curador ao lado de Romain Bigé da exposição Esboços de Técnicas Interiores, realizada na Culturgest, em Lisboa. A mostra é o primeiro olhar retrospectivo do trabalho e legado de Steve Paxton.

CRÍTICAS

Em O que Fazer Daqui para Trás, há uma regra performativa, inteligente e constante, com implicações decisivas e valiosas (…) O palco despido, a rarefacção de objetos e o recurso a um só princípio coreográfico são indícios de um “tempo sem” – sem dinheiro, sem coisas, sem direitos… – e talvez do equilíbrio esgotante da corrida pela sobrevivência.

PAULA VARANDA, Ípsilon

A exaustão genuína – os artistas estão realmente dando voltas pelo teatro – torna o discurso desprovido de enfeites ou artifícios. Com exceção do microfone, o palco está totalmente vazio. Sinto que estou assistindo a uma coreografia do tempo, um teatro físico da memória.

KATE MATTINGLY, Baywatch

CONCEPÇÃO E DIREÇÃO: João Fiadeiro
ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO: Carolina Campos
PERFORMANCE E COCRIAÇÃO: Adaline Anobile, Carolina Campos, Márcia Lança, Iván Haidar e Daniel Pizamiglio
DESENHO DE LUZ: Colin Legran
DIREÇÃO TÉCNICA: Leticia Skrycky
COPRODUÇÃO: Teatro Maria Matos (Lisboa) e Teatro Rivoli (Porto)
APOIO À INTERNACIONALIZAÇÃO: Direção Geral das Artes / Governo de Portugal
APOIO INSTITUCIONAL: Câmara Municipal de Lisboa
RESIDÊNCIAS ARTÍSTICAS: Arquipélago / Centro de Artes Contemporâneas (Açores), Santarcangelo Dei Teatri (Itália) e Atelier Real (Lisboa)

ESTE ESPETÁCULO É APOIADO PELO GOVERNO DE PORTUGAL | DGARTES

Na peça da artista franco-austríaca Gisèle Vienne, 15 jovens vivem uma montanha-russa de emoções durante uma festa de techno. Guiados por uma seleção musical que reúne artistas de renome na história da dance music, como DJ Rolando, Global Communication e Jeff Mills, os dançarinos vivenciam situações intensas e alcançam estados alterados de seus sentidos. Fazem isso manipulando a velocidade dos movimentos de seus corpos em momentos predominantemente coletivos, sem excluir as narrativas individuais pelas quais cada um passa naquela noite. Vienne, cujos trabalhos investigam a relação entre o artístico e o religioso – esbarrando em questões complexas do comportamento humano, como o erotismo e a violência –, cria aqui um jogo de ritmos que provoca a impressão de distorção do tempo, remetendo a uma sensação alucinógena, hipnótica.

Gisèle Vienne é artista, coreógrafa e diretora franco-austríaca. Após se formar em filosofia, estudou na École Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette, instituto francês voltado aos estudos de marionetes. Trabalha regularmente com o escritor Dennis Cooper, os músicos Peter Rehberg e Stephen O’Malley e o designer de luz Patrick Riou, entre outros artistas. Suas obras transitam entre linguagens (artes cênicas, plásticas, cinema) para dissecar as relações humanas, o artístico e o religioso. Vienne dirigiu e coreografou, com a colaboração de Dennis Cooper, vários trabalhos, entre eles I Apologize (2004), Kindertotenlieder (2007), Babaca (Jerk, 2008), This Is How You Will Disappear (2010), The Pyre (2013), The Ventriloquists Convention (2015) e Multidão (Crowd, 2017). Ela também exibe regularmente seu trabalho fotográfico.

CRÍTICAS

Tendo suas raízes na experiência de Vienne com a noite berlinense dos anos 1990, e uma trilha sonora marcante de artistas como Jeff Mills, Global Communication e Underground Resistance, [Crowd] parece ao mesmo tempo uma festa particularmente selvagem e um tríptico sobre o tema do céu e do inferno feito por um pintor como Bosch. Também há algo de A Sagração da Primavera, de Pina Bausch. 

SARAH CROMPTON, The Guardian

Crowd [Multidão], de Gisèle Vienne, reúne uma quinzena de solistas para uma viagem interior e hedonista. O cenário, um simples tablado recoberto de terra e compostagem de lixo, poderia representar um fim de noite aqui ou em qualquer outro lugar. Um a um, quase recuando, os intérpretes vão habitar esse espaço, recortado pela luz magnífica de Patrick Riou. A coreógrafa e cenógrafa captura esses instantes da noite, membros sacudidos por convulsões, beijos fugazes, jogos de mão à beira de perder o controle (…) A minúcia com que Gisèle Vienne apreende esse grupo traz também uma questão: estamos diante de um “after” ou de um espetáculo contemporâneo? Bastam alguns efeitos de rara beleza – uma lata que “explode”, fumaças que envolvem os casacos – para se assegurar. Crowd é uma verdadeira criação.

PHILIPPE NOISETTE, Les Échos

CONCEPÇÃO, COREOGRAFIA E CENOGRAFIA: Gisèle Vienne
ASSISTÊNCIA: Anja Röttgerkamp e Nuria Guiu Sagarra
DESIGN DE LUZ: Patrick Riou
DRAMATURGIA: Gisèle Vienne e Denis Cooper
SELEÇÃO MUSICAL DE: Underground Resistance, KTL, Vapour Space, DJ Rolando, Drexciya, The Martian, Choice, Jeff Mills, Peter Rehberg, Manuel Göttsching, Sun Electric e Global Communication
EDIÇÃO E SELEÇÃO DE PLAYLIST: Peter Rehberg
SUPERVISOR DE DIVULGAÇÃO DE SOM: Stephen O’Malley
PERFORMERS: Lucas Bassereau, Philip Berlin, Marine Chesnais, Sylvain Decloitre, Sophie Demeyer, Vincent Dupuy, Massimo Fusco, Rehin Hollant, Georges Labbat, Theo Livesey, Katia Petrowick, Linn Ragnarsson, Jonathan Schatz, Henrietta Wallberg e Tyra Wigg
FIGURINOS: Gisèle Vienne em colaboração com Camille Queval e os performers
ENGENHEIRO DE SOM: Mareike Trillhaas
DIREÇÃO TÉCNICA: Richard Pierre
DIREÇÃO DE PALCO: Antoine Hordé
OPERADOR DE LUZ: Arnaud Lavisse
AGRADECIMENTOS: Louise Bentkowski, Dominique Brun, Patric Chiha, Zac Farley, Uta Gebert, Margret Sara Guðjónsdóttir, Isabelle Piechaczyk, Arco Renz, Jean-Paul Vienne e Dorothéa Vienne-Pollak
PRODUÇÃO E AGENDAMENTO: Alma Office, Anne-Lise Gobin, Alix Sarrade, Camille Queval & Andrea Kerr
ADMINISTRAÇÃO: Etienne Hunsinger & Giovanna Rua Executive producer DACM
COPRODUÇÃO: Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National / Maillon, Théâtre de Strasbourg – Scène Européenne / Wiener Festwochen / Manège, Scène Nationale – Reims / Théâtre National de Bretagne / Centre Dramatique National Orléans/Loiret/Centre / La Filature, Scène Nationale – Mulhouse / BIT Teatergarasjen, Bergen. Support: CCN2 – Centre Chorégraphique National de Grenoble / CND Centre National de la Danse

DEDICADO A Kerstin

A companhia Gisèle Vienne é apoiada pelo Ministério da Cultura e da Comunicação da França – Direção Regional de Assuntos Culturais Grande Leste, pela Região Grande Leste e pela cidade de Estrasburgo. Para turnês internacionais, o grupo tem apoio do Institut Français. Gisèle Vienne é artista associada no Nanterre-Amandiers, centro dramático nacional, e no Théâtre National de Bretagne, dirigido por Arthur Nauzyciel.

ESTE ESPETÁCULO É APOIADO PELO CONSULADO GERAL DA FRANÇA EM SÃO PAULO E PELO INSTITUT FRANÇAIS

FOTOS

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Primeira parceria entre o diretor Mark Maughan e o dramaturgo Tim Cowbury, o espetáculo explora as falhas e injustiças dos sistemas de asilo para refugiados. A peça parte da história de Serge, exilado do Congo, que se depara com um oficial de imigração britânico. A conversa, de início simpática e acolhedora, logo se mostra um tanto truncada. Apesar de conhecer a língua do refugiado, o agente parece não compreendê-lo nem deixá-lo contar sua história. Os desentendimentos aumentam com a chegada de uma segunda oficial, que não fala o francês de Serge, e a entrevista do imigrante, com questionamentos burocráticos e interpretações equivocadas. Num tom cômico e absurdo, a narrativa investe na força do texto, repleto de jogos de palavras. Assim, questiona a funcionalidade dos organismos de asilo, presos a um sistema kafkiano – o título da peça, por sinal, é uma referência a O Processo, livro de Franz Kafka–, e discute a nossa falta de escuta do outro.

Um dos fundadores da companhia Made in China, onde integrou produções como Get Stuff Break Free (National Theatre), Gym Party (Battersea Arts Centre) e Double Double Act (Unicorn Theatre), o dramaturgo Tim Cowbury estudou dramaturgia na Royal Court Theatre e coordenou grupos de escrita no Arcola Theatre e no Battersea Arts Centre. Ele tem um mestrado em escrita dramática pela Goldsmiths University, onde recebeu uma bolsa de pesquisa na área de artes e humanidades. Já o diretor Mark Maughan estudou letras modernas e medievais na Universidade de Cambridge e tem um mestrado em direção teatral pela Universidade de Londres. Ele encenou espetáculos como Unwritten Letters (Bush Theatre) e C’Est la Vie (The Coronet Theatre). A pesquisa de O Pedido, primeira colaboração entre Cowbury e Maughan, também se desdobrou na videoinstalação I Am Just My Words, série de entrevistas com imigrantes que buscaram asilo.

CRÍTICAS

The Claim [O Pedido] é uma aula magna sobre os abismos da língua, um tenso, engraçado e, mais do que tudo, inquietante trabalho, que nos lembra como a interpretação, os pontos de vista e nossos sistemas de “negro e branco” não dão espaço para pessoas vulneráveis.

DAISY BOWIE-SELL, What’s on Stage

O viés de confirmação, a ignorância com questões básicas e as reações imediatistas garantem que o processo kafkiano ganhe força de forma terrível e memorável.

DOMINIC CAVENDISH, The Telegraph

Cowbury apresenta várias questões. Uma é como a língua é sempre um campo minado: mesmo quando os dois oficiais se chamam de “partners” (parceiros), o termo fica aberto a várias interpretações. Cowbury também sugere que nenhuma autoridade de fato ouve o que as pessoas têm a dizer: enquanto a vida de Serge está em risco, os dois oficiais fazem seus próprios jogos de poder ou discutem sobre possíveis férias na ilha grega de Ios. E como, questiona a peça, eles podem medir a verdade sobre a história de Serge se eles admitem florear suas próprias narrativas?

MICHAEL BILLINGTON, The Guardian

TEXTO: Tim Cowbury
DIREÇÃO: Mark Maughan
ELENCO: Tonderai Munyevu, Nick Blakeley e Indra Ové
CENOGRAFIA: Emma Bailey
DESIGN DE SOM: Lewis Gibson
DESIGN DE LUZ: Joshua Pharo
PRODUÇÃO: Lauren Mooney

ESTE ESPETÁCULO É APOIADO PELO BRITISH COUNCIL E PELA A CULTURA INGLESA

Romance de Virginia Woolf sobre um personagem andrógino, que flui entre o feminino e o masculino, Orlando é o ponto de partida desta ópera-instalação, que combina coreografia, vídeos e música ao vivo dentro de um cenário imersivo, pelo qual o público pode circular. O trabalho, dirigido pela suíça Julie Beauvais e pelo francês Horace Lundd, investiga os temas tratados no livro, como gênero e identidade, e questiona quais seriam os Orlandos de hoje, habitantes de um mundo imerso no paradigma pós-binário. Sobre as sete telas que contornam a instalação, são projetados lado a lado personagens de Berlim, Kinshasa, Marfa, Londres, Belo Horizonte, Lisboa, Chandolin, Patagônia e Holanda, todos filmados em cenários externos e etéreos, conectando o horizonte de várias regiões do mundo.

*Após a sessão, os artistas fazem uma conversa com o público

A suíça Julie Beauvais transita entre a ópera, o teatro, a dança, intervenções arquitetônicas, vídeos e instalações performativas. Seus trabalhos exploram as experiências do corpo e a consciência humana. Ela começou a carreira nos Estados Unidos, depois de estudar na École Jacques Lecoq, em Paris. Em Chicago, ela co fundou o Sprung Theatre, onde desenvolveu trabalhos coreográficos, e na sequência criou em Genebra a companhia Mondes Contraire. Ela passou a se debruçar, em 2006, na dinâmica que a voz lírica provoca no corpo do cantor e, por extensão, no espaço em que ele se apresenta. Desde 2013, dirige a BadNewsFromTheStars*, uma plataforma com sede em Valais, na Suíça, que reúne cantores de ópera, músicos, artistas multimídia, arquitetos, cenógrafos e coreógrafos para explorar as possibilidades da ópera – e confrontar esse formato com diferentes territórios. Essa pesquisa interdisciplinar resulta num trabalho lírico, que é compartilhado com o público por meio de videoinstalações, performances, filmes e produções de grande porte.  Já o artista plástico francês Horace Lundd trabalha com instalações imersivas e criações visuais para vídeos, performances e cenários. Sua obra investiga a narração na arte contemporânea e em espaços liminares.

CRÍTICAS

Ao centro do poliedro formado pelos painéis, dois músicos alternam-se em tocar a composição sonora de Christophe Fellay. Se os espectadores que passeiam pelo lado de fora da estrutura projetam uma sombra que atravessa esses sete fantasmas perenes, aqueles que se agrupam no centro acabam contemplando uns aos outros como se contemplassem os embaixadores de uma humanidade enfim liberta de seus “estereótipos, preconceitos e estigmas”, como cita o programa do espetáculo.

KATIA BERGER, Tribune de Genève

Efetivamente, a instalação foge dos códigos de um espetáculo tradicional. Cada um tem liberdade de se apropriar da narração, de viajar entre o interior e o exterior da estrutura, de se sentar e mergulhar na imagem e no som sobre a benevolente vigilância dessas sete figuras do “novo paradigma”. E ao fim dos 45 minutos que duram esses movimentos lentos, quase imperceptíveis ao primeiro olhar, a sensação que preenche os espíritos, o espaço, é a de uma grande paz interior.

JEAN-FRANÇOIS ALBELDA, Le Nouvelliste

DIREÇÃO ARTÍSTICA E COREOGRAFIA: Julie Beauvais
DIREÇÃO: Julie Beauvais e Horace Lundd
DIREÇÃO DE ARTE, DIREÇÃO DE FOTOGRAFIA E VÍDEOS: Horace Lundd
COMPOSIÇÃO MUSICAL E SONORA: Christophe Fellay
ARTISTA MUSICAL CONVIDADO: Bartira
CENÁRIO: Sibylle Kössler e Wynd van der Woude
CRIADO POR: Michael John Harper, Orakle Ngoy, Winsome Brown, Carolyn Cowan, Nyima, Diego Bagagal, August Schaltenbrand, Natalia Chami, Valentina Bordenave e Frans W.M. Franssens
PRODUÇÃO: BadNewsFromTheStars* e Horace Lundd
ASSOCIADOS: LAPIS/EPFL – Escola Politécnica Federal de Lausanne, Acelerador de Partículas de Estrasburgo
APOIO: Pro Helvetia – Fundação Suíça para a Cultura, Pro Helvetia COINCIDENCIA, CNC – Centro Nacional do Cinema e da Animação – dispositivo DICRéAM de fomento ao desenvolvimento e à produção, Loterie Romande Vaud, Loterie Romande Valais, Cantão de Valais – Serviço da Cultura, DRAC – Direção Regional de Assuntos Culturais do Grande Leste – fomento individual à criação, Região Grande Leste – fomento à criação do espetáculo e das artes visuais, Cidade de Genebra – Departamento de Finanças e Alojamento, HEAR – Haute École des Arts du Rhin

APOIO À TURNÊ SUL-AMERICANA: Pro Helvetia – Fundação Suíça para a Cultura, Pro Helvetia COINCIDENCIA, Cantão de Valais – Serviço da Cultura