A abertura de processo do trabalho de Alejandro Ahmed se divide em dois momentos: o primeiro consiste na apresentação comentada de pequenos recortes cênicos de um dos vídeos da Anatomia Virtual. Essa série audiovisual de tutoriais em dança tem como objetivo explicitar os modos de articulação dos conceitos que fundamentam a técnica desenvolvida pelo Grupo Cena 11. No segundo momento, o coreógrafo realiza uma ação intitulada Luz Negra, a partir de alguns elementos da pesquisa atual sobre som e corpo.

Alejandro Ahmed é coreógrafo, diretor artístico e bailarino do Grupo Cena 11, com o qual desenvolveu uma técnica que tem como objetivo produzir uma dança em função do corpo. Essa técnica foi nomeada de ‘percepção física’; e é um dos pontos estruturantes do trabalho do grupo. Suas novas proposições teórico-práticas estabelecem a tríade correlacional ‘Emergência-Coerência-Ritual’ como guia de suas ações.

Criação, direção e performance: Alejandro Ahmed

Referência na pesquisa sobre o uso do documentário e do autobiográfico no teatro brasileiro, em seu novo trabalho, STABAT MATER, Janaina Leite aprofunda a investigação sobre o real no teatro, agora sob a luz do obsceno. No espetáculo, que tem estreia prevista para junho de 2019 – contemplado pelo edital de Dramaturgia do Centro Cultural São Paulo –, Janaina divide a cena com a sua mãe real e um ator pornô, discutindo o protótipo de um feminino que se constrói entre a abnegação e o masoquismo. Nessa abertura de processo, a dramaturga, diretora e atriz da montagem expõe materiais que constituem a pesquisa, como o casting dos atores, os fragmentos da dramaturgia e os estudos de cenas.

Janaina Leite é doutoranda no departamento de Artes Cênicas da Escola de Comunicação e Artes da USP, com pesquisa apoiada pela Fapesp. É atriz, diretora e dramaturgista, e também uma das fundadoras do Grupo XIX de Teatro. Concebeu o espetáculo Festa de Separação: Um Documentário Cênico e Conversas com Meu Pai, consolidando sua pesquisa sobre autobiografia e documentário no teatro. É, também, atriz e diretora do espetáculo Branco: O Cheiro do Lírio e do Formol, estreado na MITsp 2017, além de coordenar os núcleos de estudo Feminino Abjeto e Memórias, Arquivos e (Auto)Biografias. Em 2017, lançou o livro Autoescrituras Performativas: do Diário à Cena (Editora Perspectiva) e estreou os novos espetáculos do Grupo XIX de Teatro: Intervenção Dalloway – O Rio dos Malefícios do Diabo e Hoje o Escuro Vai Atrasar para que Possamos Conversar. Foi curadora, em 2018, do Festival Internacional de São José do Rio Preto. Atualmente, desenvolve seu novo trabalho, STABAT MATER, e orienta o núcleo de pesquisa Feminino Abjeto 2 – O Vórtice do Masculino.

Concepção, direção, dramaturgia: Janaina Leite
Performance: Janaina Leite, Amália Fontes Leite, ator pornô
Dramaturgismo e assistência de direção: Lara Duarte e Ramilla Souza
Concepção audiovisual e roteiro: Janaina Leite e Lillah Hallah
Provocação cênica: Kênia Dias
Direção de arte, cenário e figurino: Melina Schleder
Iluminação: Paula Hemsi
Direção de fotografia/filmagens: Wilssa Esser
Edição e vídeo-projeções: Laíza Dantas
Sonoplastia e técnica de som: Lana Scott
Preparação vocal: Flávia Maria Campos
Assistência geral: Luiza Moreira Salles
Direção de produção: Carla Estefan
Distribuição internacional: Metropolitana Gestão Cultural

Vestígios tem como ponto de partida os aspectos monumentais dos sambaquis, sítios indígenas pré-históricos encontrados no litoral do Brasil. Para a pesquisa, a performer fez imersões físicas em cemitérios indígenas pré-históricos na região de Laguna, em Santa Catarina. Ao resgatar a memória ancestral pré-colonial, a instalação coreográfica propõe uma reflexão sobre a necessidade de trazer à tona, no campo das artes e da vida, as forças de criação e de resistência que operam por meio do corpo vibrátil. O espetáculo é uma tentativa de tornar o invisível sensível, ou seja, tornar perceptíveis os aspectos simbólicos e sagrados dos sambaquis que foram perdidos no tempo. A obra foi premiada pela Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA) na categoria Pesquisa em Dança, em 2010.

A coreógrafa e bailarina Marta Soares desenvolve trabalhos que pesquisam possibilidades de interseções entre a dança, as artes visuais (vídeo e instalação), a arte performática e a música (espaços sonoros). Vencendora de diversos prêmios APCA na área da dança, estudou com Maria Duscheness (introdutora do método Laban no Brasil) e com Kazuo Ohno (um dos criadores da dança Butoh), e teatro performático com a performer e diretora Lee Nagrin (membro do grupo The House, dirigido por Meredith Monk). Marta Soares possui graduação em Bachelor of Arts – State University of New York (1993), mestrado em Comunicação e Semiótica pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (2000) e é doutora em Psicologia Clínica pelo Núcleo de Estudos da Subjetividade da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (2012). Além de O Banho e Vestígios, entre as produções realizadas por ela destacam-se: Bondages; Deslocamentos; Um Corpo que Não Aguenta Mais; 206; O Homem de Jasmim; Formless e Les Poupées.

Concepção, direção e performance: Marta Soares
Desenho de som: Lívio Tragtenberg
Captação de som: Fernando Mastrocolla de Almeida
Desenho de luz: André Boll
Operação de luz: Silviane Ticher
Espaço cenográfico: Renato Bolelli Rebouças
Assistente de cenografia: Beto Guilguer
Vídeo: Leandro Lima
Fotografia do vídeo: Ding Musa
Assistente de palco: Manuel Fabrício
Cenotécnico: Valdeniro Paes
Produção: Cais Produção Cultural
Produtores: Beto de Faria e José Renato de Fonseca de Almeida

Este trabalho foi realizado com o subsídio do Programa Rumos Dança do Itaú Cultural 2009/2010 e do VII Programa Municipal de Fomento à Dança da Secretaria da Cultura da Cidade de São Paulo.

Altíssimo investiga as relações do homem contemporâneo com as religiões e a fé, em especial os movimentos da vertente neopentecostal, que propagam a chamada “teologia da prosperidade”. A partir de uma dramaturgia que inclui trechos documentais e autobiográficos, a montagem aborda a espetacularização e a mercantilização da fé, a exposição da religião nas mídias de massa, o crescimento do número de fiéis e o apelo ao sacrifício como forma de expiação de pecados.

TREMA! Plataforma de Teatro é um núcleo de artes cênicas com algumas iniciativas que acontecem paralelamente, como um festival de teatro, que chegou à sua sexta edição em 2018, e uma revista trimestral, além de processos de criação de espetáculos que compõem o seu repertório. Altíssimo é o primeiro espetáculo da plataforma, uma produção que reforça a pesquisa continuada no campo da direção e o retorno aos palcos do ator, diretor e dramaturgo Pedro Vilela, que integrou o Grupo Magiluth, um dos principais coletivos teatrais pernambucanos. No Magiluth, Vilela dirigiu espetáculos como: Viúva, Porém Honesta – que circulou por mais de 60 cidades do país, pelo projeto Palco Giratório –, O Canto de Gregório e Luiz Lua Gonzaga.

Encenação e atuação: Pedro Vilela
Dramaturgia: Alexandre Dal Farra
Assistente de encenação: Thiago Liberdade
Consultoria de encenação: Marcondes Lima
Cenografia, desenho de luz e som: Pedro Vilela
Design gráfico: Thiago Liberdade
Produção executiva: Mariana Rusu
Produção: TREMA! Plataforma de Teatro

Protocolo Elefante propõe uma metáfora de separação e exílio a partir da ação de afastamento e de isolamento do elefante na iminência de sua morte. Uma investigação sobre o modo como as pessoas, os comportamentos, as línguas, os afetos, os objetos e as relações interpessoais são afetadas quando nos afastamos do contexto ao qual já estamos familiarizados. O sentimento de falta marca algumas perguntas que ajudaram a conduzir a pesquisa: O que é pertencer ou a necessidade de pertencimento? Qual é a nossa definição de identidade?

O Grupo Cena 11 desenvolve e compartilha ferramentas técnicas fundamentadas nas relações entre corpo, ambiente, sujeito e objeto como variáveis de um mesmo sistema vivo, que existe enquanto dança. Seus projetos confluem teoria e prática no entendimento de dança e atravessam as definições de corpo, tratando tecnologia como sua extensão e expansão. Um núcleo de criação com formação em várias áreas compõe a base para uma produção artística na qual a ideia ganha materialidade e se organiza como movimento. Em 2014, o Cena 11 recebeu do Ministério da Cultura e Governo Federal a Ordem do Mérito Cultural; e foi premiado pela Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA) em 2014, 2012, 2007 e 1997.

Criação, direção e coreografia: Alejandro Ahmed
Criação e performance: Adilso Machado, Aline Blasius, Edú Reis Neto, Hedra Rockenbach, Jussara Belchior, Karin Serafin, Kitty Katt, Luana Leite, Marcos Klann, Mariana Romagnani e Natascha Zacheo
Direção de trilha, iluminação e performance: Hedra Rockenbach
Assistência de criação: Mariana Romagnani
Direção de figurino, assistência de direção e produção: Karin Serafin
Assistência de ensaio e preparação técnica: Malu Rabelo
Elementos de cena: Roberto Gorgatti
Sede e preparação técnica: Jurerê Sports Center – Centro Artístico e Esportivo de Jurerê

A partir de uma “palestra-performance”, o espetáculo enfatiza uma realidade social histórica e convida a plateia a acompanhar a evolução de um pensamento voltado às designações da palavra “colônia”. Para que a diversidade de definições tivesse uma confluência, dois fatos catalisadores foram escolhidos: a condição colonial do Brasil – com muitos aspectos ainda em pleno vigor nas dinâmicas e nas mentalidades –, e a história do “manicômio” Hospital Colônia de Barbacena (MG), onde 60 mil pessoas foram torturadas e mortas. Ao mesmo tempo, por meio de uma análise sintática e morfológica, o espetáculo cria relações e discute forças propulsoras para uma ideia de descolonização, sobretudo do pensamento.

Colônia resulta da reunião do ator Renato Livera, que comemora 20 anos de carreira com este monólogo, com o dramaturgo Gustavo Colombini e o diretor Vinicius Arneiro. Livera fundou a Cia. Físico de Teatro em 2007, assinando a direção e a idealização de espetáculos como Savana Glacial, e integrou, também, o Grupo Alice 118. Colombini, além de autor da peça Colônia, assina a autoria de O Silêncio Depois da Chuva, com direção de Leonardo Moreira, e é integrante e cofundador do grupo “cinza”, que atua em intervenções urbanas, teatro, rua, arquitetura, literatura, publicações, artes visuais e dramaturgia. Fundador e integrante do Teatro Independente, criado em 2006, Vinicius Arneiro dirigiu diversos espetáculos, entre eles Cachorro!, Rebú e Os Sonhadores.

Idealização e atuação: Renato Livera
Dramaturgia: Gustavo Colombini
Direção: Vinicius Arneiro
Projeto de cenário, som, luz e figurino: Renato Livera e Vinicius Arneiro
Iluminação: João Gaspary
Produção e realização: Meta Produções
Distribuidora: Metropolitana Gestão Cultural
Assessoria de imprensa: NOVA Comunicação

(ver[ ]ter) à deriva é formado por um conjunto de intervenções cênicas propostas para espaços externos e públicos, que dialogam com o silêncio das imagens expostas de uma metrópole, congregando diversas manifestações artísticas, como o grafite, a videoarte, a performance, o teatro, a dança, a música e as artes plásticas. Nas intervenções, os artistas invadem os espaços com sons, imagens, danças e ações criadas a partir das obras do artista britânico Banksy. A montagem também se inspira no questionamento edipiano “Para que ver, se já não poderia ver mais nada que fosse agradável aos meus olhos?”. Quatro das cenas foram propostas por Andréia Yonashiro, Coletivo Bruto, Georgette Fadel e Tica Lemos, todos artistas convidados. Os músicos do quarteto de jazz À Deriva executam a música ao vivo.

Criada em 2003, dentro do curso de Artes Cênicas da Unicamp, em Campinas, a Cia. Les Commediens Tropicales está radicada na capital paulista desde 2005. Atualmente, é formada pelos artistas Carlos Canhameiro, Paula Mirham, Rodrigo Bianchini, Michele Navarro, Daniel Gonzalez e Tetembua Dandara. Ao longo da trajetória do grupo, são diversas as peças realizadas: Galvez Imperador do Acre; CHALAÇA a peça; A Última Quimera; 2º D.Pedro 2º; O Pato Selvagem; Concílio da Destruição; GUERRA sem Batalha; MAUSER de garagem; BAAL.material; e a recente MEDUSA concreta. As seis últimas montagens mantêm-se no repertório e evidenciam o interesse na interseção de linguagens: teatro, dança, música, performance, videoarte e intervenção urbana.

Encenação: Cia. Les Commediens Tropicales, Quarteto à Deriva e artistas convidados: Andréia Yonashiro, Coletivo Bruto, Georgette Fadel e Tica Lemos
Elenco: Carlos Canhameiro, Daniel Gonzalez, Michele Navarro, Paula Mirhan, Rodrigo Bianchini e Tetembua Dandara
Músicos: Quarteto À Deriva (Beto Sporleder, Daniel Muller, Guilherme Marques e Rui Barossi)
Trilha sonora: Cia. Les Commediens Tropicales e Quarteto À Deriva
Assessoria de imagem: Mônica Zaher
Cenografia: José Valdir Albuquerque
Produção: Cia. Les Commediens Tropicales e Mariana Pessoa

O espetáculo performado pelo paraense Ícaro dos Passos Gaya utiliza os princípios de apropriação e alteração em cena, agregando referências diversas ao trabalho, como a música tecnobrega, gênero criado pela influência das sonoridades caribenhas e das músicas populares. As coreógrafas Marcela Levi e Lucía Russo também trabalharam com inspirações como: O Inferno, de A Divina Comédia, de Dante, Macunaíma, de Mário de Andrade, o universo trans e até mesmo os memes de internet. No solo, o corpo do performer é suor, transtornado por sons díspares, descolado da afirmação de identidade. Boca de Ferro, título da montagem, é como eram chamados os alto-falantes no Pará, nos anos 1950.

As coreógrafas Marcela Levi, carioca, e Lucía Russo, argentina radicada no Rio de Janeiro, fundaram a Improvável Produções em 2010. As artistas apostam em um projeto de autoria compartilhada, buscando uma direção que aponta para um regime de sentido aberto, abarcando diferentes posições inventivas que se entrecruzam em um processo que acolhe linhas desviantes, dissenso e diferenças internas como uma força crítica construtiva, e não como polaridades contraditórias e autoexcludentes. A Improvável Produções é responsável pela criação e produção das peças Natureza Monstruosa, Mordedores e Deixa Arder, e pela intervenção urbana Sandwalk With Me, entre outras.

Direção artística: Marcela Levi e Lucía Russo
Performance e cocriação: Ícaro dos Passos Gaya
Desenho de luz: Isadora Giuntini e Catalina Fernández
Desenho de som: Equipe
Figurino: Marcela Levi e Lucía Russo
Apoio/Residências artísticas: Centro Coreográfico da Cidade do Rio de Janeiro/Secretaria Municipal de Cultura, Consulado da Argentina no Rio de Janeiro, Espaço Cultural Sítio Canto da Sabiá, Festival Dança Gamboa, Espaço Graner, Sala Hiroshima e Sâlmon Festival
Difusão internacional e coprodução: Something Great (Berlin/DE)
Realização artística e produção: Improvável Produções

Carolina Bianchi divide a cena com 16 homens – atores, bailarinos e músicos –, selecionados a partir de uma residência na Oficina Cultural Oswald de Andrade, no Bom Retiro, em São Paulo. O espetáculo é um estudo arcaico sobre a paixão, um sacrifício de corpos que não negam os seus fluidos: suor, saliva, sangue. Com uma dramaturgia organizada em quadros, Lobo pode ser considerado uma pintura em movimento. Os performers formam um coro de multidão em existência extrema, em uma sequência desenfreada de ações/imagens: eles correm, despencam no chão, transam com o espaço e entre si e declamam poemas de Emily Dickinson. A montagem circula por diversas linguagens, articulando texto, dança, performance e teatro.

Carolina Bianchi é diretora, atriz e dramaturga. Formou-se pela Escola de Arte Dramática (EAD), na Universidade de São Paulo (USP), e desde então desenvolve um trabalho autoral. O grupo de artistas que a acompanha em cada um dos seus projetos, como em Mata-me de Prazer, Quiero Hacer el Amor e Lobo, é chamado de Cara de Cavalo. Trabalhou com diferentes diretores nacionais e internacionais, e foi uma das fundadoras da Cia. dos Outros, com a qual realizou os espetáculos Corra Como um Coelho, A Pior Banda do Mundo e Solos Impossíveis. Desde o fim da Cia. dos Outros, passou a estabelecer pontes com diferentes artistas do Brasil e da América do Sul, compartilhando e tencionando suas investigações artísticas por meio de colaborações em processos de dramaturgia e direção em workshops e residências.

Concepção, direção e dramaturgia: Carolina Bianchi
Performers: Allyson Amaral, Antonio Miano, Carolina Bianchi, Chico Lima, Eduardo Bordinhon, Felipe Marcondes, Gabriel Bodstein, Giuli Lacorte, João Victor Cavalcante, José Artur Campos, Kelner Macedo, Maico Silveira, Murillo Basso, Rafael Limongelli, Tomás Decina, Gustavo Saulle e Rodrigo Andreolli
Assistência de direção: Joana Ferraz, Marina Matheus e Debora Rebecchi
Produção: AnaCris Medina e Lu Mugayar
Som: Joana Flor
Luz: Alessandra Domingues
Pesquisa de trilha sonora: Carolina Bianchi
Fotos: Mayra Azzi
Vídeos: Fernanda Vinhas
Efeitos: Gustavo Saulle
Objetos de cena: Tomás Decina, Rafael Limongelli e Nelson Feitosa
Figurinos: Antonio Vanfill e Carolina Bianchi
Distribuição/Produção internacional: Metropolitana Gestão Cultural – Carla Estefan
Realização: Cara de Cavalo

No linguajar popular, várias palavras são usadas como sinônimos para o órgão sexual feminino. Mas por que raramente empregamos a palavra “vulva”? Quando a nomeamos, sempre temos a impressão de que falamos algo indecente, algo que é definido pelo “não dizer”. Qual é o significado e a consequência dessa negação do biológico, do comum? Inspirado na história em quadrinhos A Origem do Mundo, da quadrinista sueca Liv Strömquist, e no livro Vulva – A Revelação do Sexo Invisível, de Mithu M. Sanyal, o espetáculo aborda o tabu em relação à genitália feminina, devolvendo o protagonismo das mulheres em relação ao próprio corpo e à sua sexualidade. A montagem explicita relações entre arte e conhecimento, a partir de uma entrevista-performance sobre a história do órgão sexual feminino, contada sob a perspectiva da anatomia clássica, mas com humor satírico, defendendo a necessidade de deter o desejo da sociedade de colonizar o corpo das mulheres.

A atriz e criadora Mariana Senne foi uma das fundadoras da Cia. São Jorge de Variedades, com a qual realizou diversos trabalhos entre 1999 e 2012, destacando-se Quem Não Sabe Mais Quem É, O Que É e Onde Está, Precisa se Mexer, vencedor do Prêmio Shell 2009 na Categoria Especial. Seu trabalho busca desenvolver novas formas de encenação, com interesse especial em temas feministas e assuntos relacionados às sequelas deixadas pelo colonialismo. A partir de setembro de 2019, iniciará o mestrado Das Theater, na Universidade das Artes de Amsterdã.

Concepção e direção: Mariana Senne
Dramaturgia: Katrin Heinau e Mariana Senne (a partir de textos de Liv Strömquist, Bini Adamczak e Silvia Federici)
Performance: Mariana Senne e Laura Salerno
Assistentes de direção: Isabel Soares e Lua Gabanini
Produção: Isabel Soares e Mariana Senne
Vídeo: Bruna Lessa e Laura Salerno
Som: Julia Teles e Laura Salerno
Espaço cênico: Renan Marcondes
Luz: Laura Salerno
Montagem de luz: Douglas Amorim
Projeto gráfico: Ieltxu Ortueta
Agradecimentos: Les Commediens Tropicales, FJ Cine, Alexandre Krug e Fernanda El