Sinopse

Caranguejo Overdrive conta a história de Cosme, ex-catador de caranguejos no mangue carioca da metade do século XIX. Convocado para integrar as forças brasileiras na Guerra do Paraguai, ele enlouquece no campo de batalha, volta ao Rio de Janeiro e encontra uma cidade em grande transformação. Na capital, Cosme arruma trabalho na construção do canal que representou a primeira grande obra de saneamento da cidade, na região da Praça Onze. Mas entra em crise novamente, abandona tudo, vaga pela noite, mergulha no delírio. Apanhado por uma tempestade dessas tão conhecidas dos cariocas, torna-se, enfim, um caranguejo. Dirigida por Marco André Nunes, a peça dialoga com a obra do geógrafo Josué de Castro e com o movimento manguebeat, que surgiu no Recife no fim dos anos 1990 e teve no músico Chico Science seu maior expoente.

Com quatro indicações ao Prêmio Shell (nas categorias direção, texto, ator e atriz), quatro ao Prêmio Cesgranrio (melhor espetáculo, direção, texto e ator) e cinco ao Prêmio Questão de Crítica (melhor espetáculo, direção, texto, atriz e direção musical), Caranguejo Overdrive foi eleito um dos melhores espetáculos de 2015 pelo jornal O Globo e pela revista Veja.

Histórico 

Formada em 2005, no Rio de Janeiro, Aquela Cia. de Teatro tem seu trabalho marcado por processos de criação abertos e colaborativos e uma investigação sobre a relação entre teatro, música e literatura. Ao longo de seus 13 anos, o grupo montou espetáculos como Projeto K. (sobre vida e obra do escritor Franz Kafka), Sub:Werther (interpretação do romance Os Sofrimentos do Jovem Werther, de Goethe, a partir dos intertextos do livro Fragmentos de um Discurso Amoroso, de Roland Barthes), Lobo nº1 [ A Estepe] (baseado no romance de Herman Hesse), Do Artista Quando Jovem (em torno do universo literário de James Joyce), Outside, um musical noir (inspirado no encarte do álbum homônimo de David Bowie), Cara de Cavalo (que narra a trajetória de Manoel Moreira, inimigo público nº 1 do Rio de Janeiro em 1964, e suas interlocuções com a obra do artista Hélio Oiticica) e Edypop (explorando o encontro imaginário entre o mais pop dos herói gregos, Édipo, e o mais trágico dos artistas pop, John Lennon). Caranguejo Overdrive faz parte da trilogia carioca, juntamente com os textos Cara de Cavalo (2012) e Guanabara Canibal (2017).

Ficha Técnica

Texto: Pedro Kosovski
Direção: Marco André Nunes
Com Carolina Virguez, Alex Nader, Eduardo Speroni, Fellipe Marques, Matheus Macena
Músicos em cena: Felipe Storino, Maurício Chiari e Samuel Vieira
Direção Musical: Felipe Storino
Iluminação: Renato Machado
Instalação Cênica: Marco André Nunes
Ideia Original: Maurício Chiari
Produção: Núcleo Corpo Rastreado
Produção Executiva: Thaís Venitt
Realização: Aquela Cia. De Teatro

Sinopse

Adaptação do romance Leite Derramado (Companhia das Letras, 2009), de Chico Buarque, o espetáculo conta a história de Eulálio D’Assumpção, que, aos 100 anos de idade, encontra-se abandonado numa maca em um corredor de hospital público. Herdeiro de uma família que chegou ao país com a corte portuguesa, tem antepassados aristocratas, avô latifundiário escravagista, pai senador corrupto, neto guerrilheiro e bisneto traficante. Perdulário, alienado e contraditório, ele está agora completamente falido e se defronta com a precariedade trágica de um sistema construído por uma elite rentista da qual sua família foi parte integrante.

A obra propõe uma elaboração estética da singular experiência do tempo no Brasil, situando-se numa zona na qual tudo se transmuta apenas para repetir-se em sua sórdida estrutura autodevoradora. Delirando, nos últimos instantes de sua vida, o protagonista é atravessado por eventos cruciais de nossa história, em um pandemônio no qual ruem as fronteiras que separam mundo interno e mundo externo, passado e presente, memória e imaginação, religião e poder, indivíduo e sociedade, política e mitologia.

Histórico do espetáculo

Leite Derramado fez temporadas bem-sucedidas no Sesc Consolação em São Paulo, e no Teatro Sesc Ginástico no Rio de Janeiro, como parte integrante da Extensão Mirada, circulação de espetáculos que participaram da 4ª edição do MIRADA – Festival Ibero-Americano de Artes Cênicas, um panorama da produção contemporânea e seus principais criadores. Além disso, participou dos principais festivais de teatro do país, incluindo Curitiba, Porto Alegre, Recife, entre outros. Eleito pelos jornais Folha de São Paulo e O Globo como melhor espetáculo de 2016, teve três indicações ao Prêmio Shell – nas categorias melhor atriz (Juliana Galdino), direção (Roberto Alvim) e iluminação (Domingos Quintilano) – e uma ao prêmio APCA, na categoria melhor atriz (Juliana Galdino).

Ficha Técnica

Texto Original: Chico Buarque
Adaptação, Direção e Cenografia: Roberto Alvim
Com Juliana Galdino, Filipe Ribeiro, Taynã Marquezone, Caio D’aguilar, Lenon Sebastian, Luis Fernando Pasquarelli, Nathalia Manocchio e Luiz Otavio Vizzon
Trilha Sonora Original: Vladimir Safatle
Iluminação: Domingos Quintiliano
Figurinos: João Pimenta
Desenho de Som: LP Daniel
Cenotecnia e Adereços: Fernando Brettas
Programação Visual: Vicka Suarez
Fotos e Vídeos: Edson Kumasaka
Crítico Interno: Welington Andrade
Assistente de Direção: Steffi Braucks
Técnico de som e Microfonista: Dug Monteiro
Técnico de luz: Luiz Fernando Vaz Junior
Direção de Palco: Alex Peixoto
Produção: Dani Angelotti
Realização: Cubo Produções e Cia. Club Noir

“No auge da maturidade criativa, o encenador Roberto Alvim ousou mexer com ícones incontestáveis — e oferece ao público um poderoso espetáculo.”
Dirceu Alves – Revista Veja São Paulo

 

“Alvim retira do livro grande parte do conteúdo nostálgico como quem disseca para deixar só o osso: a cadeia geracional de poder que esteia a história do país.
Luciana Romagnolli – Ilustríssima – Folha de São Paulo – 26/10/2016

 

Sinopse

Primeira montagem no Brasil de um texto do autor japonês Toshiki Okada (1973-), Nós, os Outros Ilesos retrata as apreensões de um casal de classe média que está prestes a se mudar para um arranha-céu recém-construído, às vésperas de uma importante eleição. Um marido, uma esposa, uma amiga, um homem desconhecido e outro ferido. Personagens sem muito contorno, que fazem emergir questões fundamentais em nossos dias, como o imperativo da ideia de felicidade, o medo diante do desconhecido, a precariedade das relações sociais e a ansiedade em relação ao futuro. Na peça dirigida por Carolina Mendonça, as ações são mais descritas que realizadas, proporcionando uma proximidade com o público que se traduz também no uso do espaço. O espetáculo propõe uma experiência de imersão em um ambiente no qual todos estamos juntos, questionando quem somos nós e quem são os outros.

Histórico do espetáculo

A equipe que se uniu para a criação de Nós, os Outros Ilesos tem parceria antiga. O criador de som Miguel Caldas tem colaborado com Carolina Mendonça desde 2011, e o artista visual Theo Craveiro também participou de Tragédia, uma tragédia (2004), trabalho anterior da diretora. Assim como os atores Rodrigo Andreolli e Rodrigo Bolzan, este ganhador do Shell em 2012, que vêm colaborando com a Cia Brasileira já há alguns anos. Juntam-se a eles agora Fernanda Raquel, que pesquisa as artes cênicas japonesas desde 2006, e Lúcia Bronstein, que já realizou trabalhos de destaque no cinema e na televisão.

Ficha Técnica

Dramaturgia: Toshiki Okada
Tradução: Rita Kohl
Direção: Carolina Mendonça
Atores: Fernanda Raquel, Lúcia Bronstein, Rodrigo Andreolli e Rodrigo Bolzan
Cenografia: Theo Craveiro
Criação de som: Miguel Caldas
Criação de luz: Alessandra Domingues
Figurinos: Ozenir Ancelmo
Produção: Fernanda Raquel
Fotos: Mayra Azzy

“A dificuldade de chegar ao outro, se traduz em um discurso coloquial entrecortado e repetitivo, permeado de silêncios, e em atores que mal interagem. A pesquisa com a linguagem -do texto e dos corpos- marca a obra de Okada e está presenta na primeira montagem de um trabalho seu no Brasil”.
Mariana Delfini – Folha de São Paulo- Ilustrada – 25/08/2017

“Soa no mínimo irônica, e certamente alienada, a reiterada afirmação de felicidade de uma existência tão inóspita. A montagem materializa com sucesso esse impasse por meio do estranhamento que constrói”
Mariana Delfini – Folha de São Paulo- Ilustrada – 25/08/2017

Sinopse

Primeiro solo da atriz, diretora e dramaturga mineira Grace Passô, Vaga Carne cria um campo de jogo entre palavra e movimento, em que um corpo de mulher vive a urgência do discurso, a procura de suas identidades e de pertencimento. Uma voz errante invade esse corpo e narra o que sente enquanto sujeito, enquanto mulher. Narra também o que finge sentir, o que é insondável em si, e sonda o que seu corpo significa para o outro que o vê.

Histórico do espetáculo

Vaga Carne inaugura o Projeto Grãos da Imagem, que reúne trabalhos sobre temas identitários. A peça estreou em 2016, no Festival de Curitiba, e ficou em cartaz no Sesc Copacabana (RJ), em julho e agosto de 2016. Em 2017, teve temporadas no Sesc Pompeia e na Caixa Cultural, ambos em São Paulo; no Sesc Palladium, em Belo Horizonte; e na Caixa Cultural de Salvador. Além disso, integrou a programação do Festival de Teatro de Curitiba (PR) e dos festivais Olonadé (RJ), TREMA!, em Recife (PE); Melanina Acentuada, em Salvador (BA); Porto Alegre em Cena (RS); Festival Nacional de Teatro de Vitória (ES); Cena Contemporânea de Brasília (DF), além de apresentações nas cidades de João Pessoa (PB) e São José do Rio Preto (SP).

A peça ganhou os prêmios Cesgranrio 2016 de Melhor Texto; Shell RJ 2016 de Melhor Texto; Questão de Crítica, pelo conjunto do espetáculo e Leda Maria Martins (BH), por melhor atuação e texto. Também teve indicações nas categorias Melhor Atriz (Grace Passô), Melhor espetáculo e Iluminação (Nadja Naira) no Cesgranrio. Foi indicada aos prêmios APTR 2016 (RJ), Bravo! 2016 como Melhor Espetáculo de Teatro e APCA (SP).

Ficha Técnica

Concepção, atuação e texto: Grace Passô
Equipe de criação: Kenia Dias, Nadja Naira, Nina Bittencourt e Ricardo Alves Jr.
Luz: Nadja Naira
Técnico e operador de luz: Edimar Pinto
Trilha sonora | operador de som: Ricardo Garcia
Figurino: Virgílio Andrade
Fotografia: Lucas Ávila
Pesquisa e produção: Nina Bittencourt

Sinopse

Eram quase 15h30 de 5 de novembro de 2015, um dia quente como de costume no vale do Rio Doce, quando a barragem de rejeitos de minérios de Fundão, em Mariana (MG), com cerca de 55 bilhões de litros de lama espessa, rompeu-se sobre os distritos de Bento Rodrigues e Paracatu de Baixo. Hotel Mariana leva ao palco depoimentos perturbadores e surpreendentes que evidenciam a simplicidade de pessoas que perderam tudo ou quase tudo no mais grave desastre ambiental da história do Brasil. Da criança do grupo escolar ao velho da Folia de Reis, do ativista de direitos humanos à aposentada que escreve poemas, somos convidados a escutar os sobreviventes que, com suas histórias, traçam um panorama político, histórico e cultural do nosso país.

Histórico 

Hotel Mariana foi criado a partir de relatos de sobreviventes da tragédia de Mariana coletados uma semana após o desastre. Com direção de Herbert Bianchi, que também assina a dramaturgia em parceria com Munir Pedrosa, idealizador do projeto, a peça usa a técnica verbatim e tem em cena atores que usam fones de ouvido e reproduzem instantaneamente os relatos reais que estão ouvindo.

Contemplado pelo edital de obras inéditas do ProAC em 2016, a peça estreou em maio de 2017 no teatro Os Satyros, em São Paulo, em uma temporada de 31 apresentações. Em janeiro deste ano, teve início a segunda temporada, no Sesc Vila Mariana. O espetáculo foi indicado ao Prêmio Shell 2017 na categoria autor (o resultado será conhecido em março de 2018, quando ocorrerá a premiação).

Ficha Técnica

Idealização e pesquisa: Munir Pedrosa
Direção: Herbert Bianchi
Elenco: Angela Barros, Bruno Feldman, Clarissa Drebtchinsky, Fani Feldman, Isabel Setti, Letícia Rocha, Marcelo Zorzeto, Munir Pedrosa, Rita Batata, Rodrigo Caetano
Dramaturgia: Munir Pedrosa e Herbert Bianchi
Assistente de direção: Letícia Rocha
Designer de luz: Rodrigo Caetano
Cenário: Marcelo Maffei e Herbert Bianchi
Cenotécnico: Marcelo Maffei
Figurinos: Bia Piaretti e Carol Reissman
Direção de produção: Munir Pedrosa
Realização: MUN Cultural

“…Quando o a vida superpõe-se à ficção, nada mais coerente que trazer a pungência realista a primeiro plano, no que também é chamado de “Teatro Real”……
João Luiz Vieira – Jornalista e dramaturgo – Revista Bravo! – 19/07/2017

Sinopse

Baseada na obra literária homônima do escritor pernambucano Carneiro Vilela (1846-1913), A Emparedada da Rua Nova é um solo de dança encenada pela intérprete e coreógrafa Eliana de Santana. O livro relata o caso de uma jovem que é emparedada viva em seu próprio quarto, a mando do pai, para preservar a honra e encobrir a vergonha familiar. Eliana de Santana inspira-se no ambiente de mistério que envolve a obra. Velas iluminam todo o espaço. Há um corpo e uma parede, um corpo murado. A plateia recebe um copo de água ao entrar no espaço e é convidada a “beber a morta”. A personagem emparedada dança. Uma música fala de amor. Silêncio. A personagem ainda dança. Outra voz canta o amor. Há uma aparição e depois um fim. Apagam-se as velas.

Embora o romance retrate com vivacidade os costumes da sociedade recifense do final do século XIX, é o seu desfecho macabro, o relato do emparedamento, que ajuda a criar esta lenda urbana. A assombração da Emparedada ainda ronda o Recife Antigo. Até hoje, fala-se da presença da morta, contam-se histórias sobre ruídos estranhos e gemidos na casa da rua Nova. Essas histórias, contadas de geração em geração, inspiram este trabalho, que trata de violências, lembranças, aparições, presenças momentâneas, espectros e fantasmas. Uma investigação, no corpo e na cena, sobre a condição feminina, os temas da morte, do amor e do sobrenatural.

Histórico

Eliana de Santana, artista da cena e intérprete de dança, inicia-se no teatro em 1984. Em 1996 estreia Tragédia Brasileira, primeiro trabalho autoral, que teve apoio da Bolsa Rede Stagium. Em seguida criou o solo Das Faces do Corpo, pesquisa contemplada com a Bolsa Vitae de Artes. Em 2006, sua peça Francisca da Silva de Oliveira Chica da Silva Um Esboço, é contemplada com o Prêmio Funarte de Dança Klauss Vianna. Em 2008 estreia … e das outras doçuras de deus, inspirado em crônicas de Clarice Lispector e recebe com este trabalho o Prêmio APCA na categoria Intérprete Criador em Dança (2011). Nos anos seguintes cria os trabalhos Onde os Começos? (2010), Dos Prazeres e Afro Margin (2012), Baleia e A Emparedada da Rua Nova (2014), e Blue (2015). Em 2018, trabalha na criação da nova peça Música para Ver.

Ficha Técnica

Direção Geral e interpretação: Eliana de Santana
Performer convidado, criação de luz e espaço cênico: Hernandes de Oliveira
Trilha sonora e Figurinos: Eliana de Santana e Hernandes de Oliveira
Operação de luz e som: Rodrigo Eloi Leão
Produção: E² Cia de Teatro e Dança
Fotos: Rodrigo Eloi Leão

“Ao encontrar e sugerir tantos procedimentos estrangeiros ao tradicional desta prática, a performer cria uma poderosa homenagem à tradição (talvez) do butô. No segundo momento tudo está no rosto e no ar que rodeia seu crânio. É possível dizer que esta feiticeira tem um estranho pacto com a atmosfera da sala”.
Marcio Tito – www.antropositivo.com.br

Sinopse

Inspirada na obra O Rinoceronte, de Eugene Ionesco (1909-1994), Canto para Rinocerontes e Homens, da companhia Teatro do Osso, propõe uma reflexão sobre temas como os crimes de ódio, racismo, culto à beleza, excesso de trabalho,  precarização do ensino, nossa falta de sonhos e a extinção da humanidade. Escrita em 1959, a peça de Ionesco retrata uma cidade em que quase todos os habitantes são afetados por uma doença rara, que os transforma em rinocerontes. Somente o simplório Bérenger não sofre com esse mal, tornando-se o único ser humano da terra.

A montagem é dividida em quatro atos, além de prólogo e epílogo. No palco, a história é cantada pelos atores em uma arena, com acompanhamento de piano e percussão. Já nos intervalos, são exibidos vídeos e depoimentos que convidam o público a refletir sobre os motivos que nos levam a agir como animais irracionais e violentos, verdadeiros “rinocerontes urbanos” dentro das grandes metrópoles.

Histórico 

Será que nós, seres humanos, gostaríamos de virar rinocerontes? Foi a partir desse e de outros questionamentos que os atores do Teatro do Osso, sob a direção de Rogério Tarifa (Cia do Tijolo e Cia São Jorge de Variedades), iniciaram o processo de criação do espetáculo Canto para Rinocerontes e Homens. A peça circula desde o final de 2015 por centros culturais tradicionais – como o Galpão do Folias, Itaú Cultural, Sesc Santos, entre outros –, além de ter sido apresentada em diversos espaços nas periferias de São Paulo, graças a um projeto contemplado pelo Prêmio Zé Renato.

A montagem foi ensaiada por nove meses e marca a parceria de Rogério Tarifa, William Guedes e Jonathan Silva, integrantes da Cia do Tijolo e vencedores do Prêmio Shell de Teatro. O espetáculo ficou entre as cinco melhores peças de São Paulo na avaliação do Guia da Folha e ganhou o Prêmio Aplauso Brasil na categoria Melhor Espetáculo de Grupo.

Ficha Técnica

Direção: Rogério Tarifa
Teatro do Osso: Guilherme Carrasco, Isadora Títto, Luísa Valente, João Victor Toledo Murillo Basso, Renan Ferreira, Rubens Alexandre e Viviane Almeida
Dramaturgia: Jonathan Silva, Rogério Tarifa e elenco
Direção Musical e Preparação Vocal: William Guedes
Músicos: Bruno Pfefferkorn e Filipe Astolfi
Composição (Músicas Inéditas): Jonathan Silva
Cenário: Rogério Tarifa
Cenotécnico: Zito Rodrígues
Figurino: Silvana Carvalho, Rogério Tarifa e elenco
Colaboração: Artur Abe
Consciência Corporal e Direção de Movimento: Érika Moura
Desenho de Luz: Rafael Souza Lopes
Operador de Luz: Nara Zocher
Vídeo: Flávio Barollo
Supervisão do Teatro de Animação: Luiz André Cherubini
Fotos: Cacá Bernardes

“No elenco está a maior força de Cantos Para Homens e Rinocerontes. Ao atravessarem por diversas linguagens, os atores demonstram o vigor da narrativa de Ionesco, em seus desdobramentos. Dentro do universo da transformação e invasão dos bichos, há uma mar de temas – a metrópole, o trabalho, a violência e a exploração – que os atores vão buscar como se pega água num poço para matar a sede”.
Leandro Nunes – O Estado de São Paulo – Caderno 2 – 28/07/2016

 

“A montagem musical é uma espécie de ópera popular que ressalta a enunciação da palavra. E tudo acontece em uma arena. Nessa estrutura circular, o público passa a fazer parte dos dilemas apresentados e do exame crítico e coletivo sobre o tema. É uma atitude avançada de grande implicação política”.
Paulo Bio Toledo – Folha de São Paulo – Ilustrada  – 16/12/2017

Sinopse

Um grupo de amigos da mais alta nobreza está reunido à mesa. Eles celebram os tempos, o momento presente e o “aqui”. Dentro de seus círculos de felicidades regradas, continuam esse tipo de vida, nas quais não existem “questões” e o que mais precisam é manter o seu status quo. Inspirado em Hamlet, de William Shakespeare, um dos textos mais conhecidos da dramaturgia ocidental, Dinamarca propõe, a partir da ficção, uma reflexão sobre o fenômeno das bolhas sociais.

Histórico 

Em constante diálogo com o momento presente, o grupo Magiluth tenta fazer de seus trabalhos um recorte do seu tempo. Dinamarca é a segunda parte de uma trilogia iniciada com o espetáculo O Ano em que Sonhamos Perigosamente (2015), no qual o grupo investigou um momento histórico de explosão de movimentos emancipatórios pelo mundo. Agora, em Dinamarca, eles voltam o seu olhar para outro recorte social, alheio aos movimentos de contestação, mas não menos importante na construção desse inflamável quebra-cabeça.

O processo de criação do espetáculo, iniciado em outubro de 2016, teve a colaboração de Giovana Soar e Nadja Naira, ambas da Companhia Brasileira de Teatro, e também do duo musical Pachka. A estreia aconteceu em agosto de 2017, no Recife.

Ficha Técnica

Direção: Pedro Wagner
Dramaturgia: Giordano Castro
Elenco: Bruno Parmera, Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Mário Sergio Cabral, Lucas Torres
Desenho de Som: Miguel Mendes e Tomás Brandão (Pachka)
Desenho de Luz: Grupo Magiluth
Direção de Arte: Guilherme Luigi
Fotografia: Bruna Valença e Danilo Galvão
Design Gráfico: Guilherme Luigi
Técnico: Lucas Torres
Realização: Grupo Magiluth

“É nesta ferida que os Magiluthianos estão colocando o dedo, ou melhor, entram com tudo. E usam a metáfora do país quase perfeito, a Dinamarca, para expor nossos desejos mais recôditos: ser o que não somos realmente”.
Leidson Ferraz – Pesquisador – www.satisfeitayolanda.com.br

Sinopse

Tempo suspenso entre um instante e outro.  No alargamento deste intervalo do tempo, o corpo se exaure, esvazia, dissolve seus contornos e limites. O silêncio, o desaparecimento e a inoperância se instauram não como passividade, mas como resistência. Zona de incertezas, rupturas, vazios, sem tempo, sem começos, sem fim.

Histórico do espetáculo

Criadora e pesquisadora em dança desde 1987, Vera Sala é também professora do curso de Comunicação das Artes do Corpo, na PUC-SP, desde 1999. Ganhou três vezes o prêmio APCA: em 2014, juntamente com o arquiteto Hideki Matsuka, pelo percurso de trabalhos realizados; em 2005, na categoria pesquisa em dança; e, em 1999, na categoria criadora intérprete. Em 1998 levou o Prêmio Mambembe na categoria pesquisadora performer. Foi indicada para os prêmios Governador do Estado, em 2014, pela trajetória artística e por Estudo Para Lugar Nenhum, e para o Bravo!, por Impermanências (2006) e Pequenas Mortes (2007).

Ficha Técnica

Concepção e direção geral: Vera Sala
Arquitetura e luz: Hideki Matsuka
Desenho de som: Tom Monteiro
Estimulo a auto percepção do movimento: José Antonio Lima
Agradecimento pela colaboração artística: Luiz Päetow
Projeto gráfico: Érico Peretta
Técnico de Luz: Igor Sane
Cenotécnico: Wanderley Wagner da Silva
Assistente de produção: Marcelo Leão
Direção de produção: Dora Leão –PLATÔproduções
Colaborações e compartilhamentos: Diego Alves Marques, Rubia Braga
Agradecimentos: Casa das Caldeiras

“Na medida em que o corpo insiste em esgotar-se de gestos, em escorrer lentamente, em estar num estado amorfo, sem parecer liquido nem sólido, esta insistência vai revelando a potência da impotência, vai estilhaçando nossa percepção como um golpe violentamente discreto, sem chance de se defender, como uma crise entrópica que invade a vida e a transforma em matéria finita”.
Thiago Alixandre – Bailarino

Sinopse

DNA de DAN é uma dança-instalação de Maikon K, que tem como inspiração o arquétipo da serpente. A performance acontece dentro de um ambiente inflável e transparente, criado por Fernando Rosenbaum. Num primeiro momento, o artista tem uma substância aplicada sobre seu corpo e mantém-se imóvel enquanto ela resseca, aos poucos. Após essa fase da experiência, ele se move. O público pode, então, entrar nesse espaço e lá permanecer. A construção de outra pele ao longo do tempo, o ambiente artificial e a relação com o público são dispositivos para esta performance, na qual o corpo do artista passa por sucessivas transformações.

Histórico 

Maikon K atua nas fronteiras entre performance, dança e teatro. O centro de seu trabalho é o corpo e sua capacidade de alterar percepções. Influenciado pela visão de mundo xamânica, o artista constrói realidades por meio de canção, som não verbal, signos visuais e atividades ritualizadas. Entre suas criações estão Corpo Ancestral, Terrário e O Ânus Solar.

DNA de DAN estreou em Curitiba (PR) , no gramado do Museu Oscar Niemeyer (MON).  Nos últimos três anos, foi apresentada em diversos contextos. Em 2015, integrou a exposição Terra comunal, no Sesc Pompeia (SP), a convite da artista sérvia Marina Abramovic. Em 2017, circulou por cidades brasileiras dentro do projeto Palco Giratório, do Sesc.

Ficha Técnica

Concepção e Performance: Maikon K
Ambiente: Fernando Rosenbaum
Pele: Faetusa Tezelli
Iluminação: Victor Sabbag
Orientação de Movimento: Kysy Fischer
Incentivo: Prêmio Funarte de Dança Klauss Vianna

“Ritual Íntimo e majestoso: vemos, ouvimos, cheiramos e tocamos a criatura a se depedaçar até se fazer outra. Transformamo-nos em pele nova que por ventura também precisará ser abandonada. Quem nunca sentiu que já não cabia mais em sí?”
ANDERSON DO CARMO – ARTISTA E PESQUISADOR DA DANÇA -Jornal Noticias do dia- Florianópolis- 12/08/2017